ENTREVISTA A GLEN HERNÁNDEZ, ACTRIZ Y DIRECTORA DE TEATRO.
Glendelia Hernández es actriz, directora de teatro y cómplice de rituales colectivos como el Día de la Poesía en Ámsterdam, abrimos ésta conversación sin garantías pero con la intuición de que algo revelador caerá. La entrevista estuvo a cargo del mismísimo Rómulo Meléndez.
1. Si el teatro fuera un accidente, ¿qué parte de ti quedaría intacta y cuál preferirías que desapareciera en escena?
Quedaría de mí la parte que observa al ser humano y la vida en una búsqueda intuitiva en un viaje al interior buscando un sentido a mi paso por este plano de realidad. Seguiría necesitando un camino a la verdad y la justicia de las causas complejas y violentas que vivimos como seres humanos. Más allá de un lenguaje artístico busco en mi interior respuestas a los sinsentidos del comportamiento humano que me aqueja y nos afecta como sociedad. El arte es un pretexto para gritar, susurrar todo lo que mi alma calla transformando el silencio y sonido en una forma de decir para aquietarme.
2. ¿Cuántas Glendelias caben en un idioma extranjero antes de que una de ellas decida no traducirse nunca más?
En esta puerta a otra cultura queda una sola Glendelia que se reinventa constantemente pidiendo prestados mis recuerdos para voltear a verme, para ver a aquella que aparece cuando la busco en mi memoria. Se fue fusionando poco a poco en un cambio lento y doloroso, pero con una gran riqueza de experiencias que moldean mis necesidades y gustos.
Claramente hay dos la de ALLÁ que cuando voy a México la busco dentro de mí en las calles, en la gente hasta aceptar que nunca seré igual que ya soy otra y la de ACÁ que se sigue adaptando en un mundo que a veces le parece ajeno. Ya no hay regreso, hay una continua búsqueda de un yo que se busca en lo profundo de mi alma y en la aceptación del hoy. Es la magia de la renovación.
3. Coordinar el Día de la Poesía: ¿es domesticar el caos o invitarlo a tomar un micrófono?
Coordinar el Día de la Poesía es una invitación a una complicidad colectiva de un encuentro en una sola voz. Un espacio donde el tiempo se detiene, un lugar donde cabe la reflexión y la sintonía de un lenguaje sin fronteras. Es escuchar con una sola respiración buscando aquietar el ruido del silencio que pide ser el protagonista de la reunión. Sí ,es abrir un micrófono para compartir lo que susurra el instante al poeta en su soledad donde la pluma quiere ser escuchada. Es un ritual para conectar con lo sagrado.
4. ¿La migración es una herida que se actúa o un personaje que se niega a abandonar el escenario?
Una herida que marca el proceso de mi creación. Esta se lava en la repetición escénica, en la indagación de mi propia identidad personal. Un paliativo que me permite procesar el duelo migratorio para aceptar el cambio como una serpiente cambiando de piel. Me apoya a superar mi trauma en resiliencia, colaborar en una comunidad artística que me da el sentido de pertenencia.
Observo al personaje. en silencio y sabré cuando es tiempo de la retirada, pero por ahora seguirá buscando la mirada del otro.
5. Si tu obra tuviera que existir sin palabras, ¿qué gritaría tu silencio?
Sería el subtexto, la esencia de la obra; la verdad queriendo encontrar un cauce hacia alguna parte y ser expuestas sin demora o no. Mi silencio sería la comunicación sagrada del estar. Lo que pienso, callo, implosiono, estallo. Sería una mezcla de toda la contención de la palabra suspendida en mi respiración y matizando la emoción.
6. ¿Qué tan peligroso puede ser la poesía cuando se infiltran en estructuras teatrales aparentemente disciplinadas?
La libertad de exploración que permiten las artes escénicas nos da la posibilidad de abordar el espacio donde se crea la ficción con cualquier género o texto. El teatro es un juego y como actores tenemos la disposición a experimentar. Con el tiempo nos volvemos exigentes ante materiales que nos proponen ideas, formas y se vuelven cómplices de nuestro arte. La buena poesía tiene su propio ritmo y el actor le presta voz a la palabra que pide ser escuchada.
Mi maestro Ludwik Margules decía que dirigir es un acto poético, de modo que la poesía es bastante familiar en el teatro.
7. ¿El futuro del teatro es un archivo, un glitch o una ceremonia que aún no tienen nombre?
Es una ceremonia. Un actor y una persona dispuesta a ver en una comunión casi religiosa es suficiente para crear un hecho teatral. Mientras haya seres humanos en la tierra habrá teatro. Se metamorfosea, se reinventa. Ha sobrevivido al cine, a la televisión, internet y las plataformas digitales.
La experiencia en vivo proporciona al público algo que ninguna pantalla produce, el arte del teatro proporciona una comunicación directa entre el actor y el espectador.
Creo que el teatro se adaptará combinando más tecnología, interactuando más con medios digitales; pero mantendrá su esencia de interpretar el arte vivo, efímero e irrepetible.
El teatro transforma la realidad y el espacio donde se desarrolla la ficción es sagrado.
8. Dirigir en otro país te convierte en extranjera de tu propio método o en traidora de tus certezas?
Las dos cosas. Tengo mi propio método de trabajo y lo sigo desarrollando en cada puesta en escena como actriz, en las clases que imparto de teatro o cuando dirijo. Tuve maestros a los que admiro porque son rigurosos con sus técnicas y aún sigo aprendiendo de ellos.
El error y el riesgo son fundamentales para explorar lo que me funciona o no.
9. ¿Qué pasaría si el público también tuviera que migrar - emocional o físicamente - para entender tu obra?
Busco romper fronteras, emocionales, culturales, físicas e incluso éticas. Romper la distancia entre público y actor. Hablo de temas que me importan observando lo que sucede en la sociedad donde vivo. Pienso en el espectador. Hago propuestas y cambios para comunicarme con un público que está dispuesto a entrar a la ficción. Uso traducciones o un trabajo intensivo actoral donde el subtexto sea claro y se entienda más allá del lenguaje.
Por ejemplo en “Lekker Stuk” una obra representada en cuatro idiomas: español, holandés, inglés y árabe el público lo entendió sin problemas. En otras, dependiendo de la complejidad del texto, me apoyo con pantalla de traducción.
Me ha tomado tiempo entender qué decir en el teatro porque algunos temas que me importaban en mi país ya no me parecen interesantes porque yo cambié y el país donde radico me presenta otro tipo de problemáticas.
Sigo conociendo la cultura donde vivo y sigo buscando formas de que el espectador entienda lo que quiero comunicar.
10 ¿Si pudieras desmontar una sola idea sobre identidad, nación o arte, ¿cuál sacrificarías primero y por qué?
Sacrificaría nación como un concepto rígido que me encajona, que me atrapa en lo que soy como persona. SIN VéRTEBRAS.CíRCULO D.M.
Sobre Glendelia Hernández:
Es actriz y directora de teatro originaria de México. Estudió Licenciatura de Actuación en el Foro Teatro Contemporáneo de la Ciudad de México bajo la dirección del maestro Ludwik Margules. Actualmente reside en Ámsterdam en Países Bajos. Con una larga experiencia como actriz en su país y en el extranjero y alrededor de 30 montajes, también ha trabajado
como docente en la formación de actores impartiendo talleres. En los últimos dos años destacan ̈Dirección Gritadero ̈ texto de Guy Foissy como actriz, ̈El Lugar ̈ de Carlos Gorostiza como directora y su taller de teatro ̈Amor Propio ̈ en Teatro OBA, proyecto organizado por el Instituto Cervantes de Utrecht y el Consejo de Residentes Españoles en Ámsterdam (CRE), y el mismo taller impartido en la Asociación de Mujeres Hispanohablantes de Ijmond y el NDSM Theater en Ámsterdam. Entre los eventos culturales destaca el encuentro anual “Día de la Poesía en Holanda”, que coorganiza con el poeta Ramón Haniotis y el Teatro Munganga, contando con la participación de poetas en diversos idiomas con
atención especial en el español.
Bonus:
Comentarios